“What’s in a name that which we call a rose by any other name would smell as sweet”

Shakespeare dicendo che l’essenza delle cose va al di là del nome, in qualche modo afferma la potenza del nome. Nella musica classica i compositori hanno spesso optato per due strade diverse. Una è quella in cui la musica non deve avere fattori esterni a se stessa, è arte suprema e dunque in grado di vivere senza riferimenti esterni. In questo caso i compositori hanno privilegiato nomi che ne descrivessero degli elementi interni ad esso come la forma e tonalità, il tempo, il genere musicale o addirittura il nome della tecnica in cui viene eseguito o semplicemente il numero di catalogo. La seconda strada è quella di scegliere un nome che suggerisca uno stato d’animo, un’ispirazione, una dedica e così via.

Ma un nome può influenzare l’esperienza dell’ascolto? Provate ad ascoltare Le boeuf sur le toit oppure Trois morceaux en forme de poire senza conoscerne la genesi e fatemi sapere cosa ne pensate.

Sabrina

Tante sono le canzoni ed i brani di musica che celebrano i fiori! Con i testi è più semplice anche se esistono composizioni solo musicali che ne esaltano la bellezza o il significato che abbiamo attribuito loro. Il primo che mi viene in mente è il valzer dei fiori dallo Schiaccianoci di Tchaikovsky, eppoi i Crisantemi di Puccini, il duetto dei fiori da Lakmè di Delibes, Bruyères dai Préludes per pianoforte di Debussy e l’interludio orchestrale di Walk to the Paradise Garden.

Ma la musica può, oltre a suscitare emozioni ed evocare immagini, suggerire profumi e fragranze? Può suggestionarci nella visione di colori opachi o brillanti? Può indurci ad avere la sensazione tattile di un oggetto duro o molle, liscio o burroso, vellutato o ispido? Ascoltate il Catalogue de Fleurs di Darius Milhaud senza conoscere il testo in francese eppoi spero di avere vostri commenti.

Buon ascolto allora!

Sabrina

In una delle mie letture recenti, per caso, ho potuto riflettere sul termine “Risonanza” che non riguarda solo il suono, le frequenze, le vibrazioni, l’energia, ma anche le persone e le dinamiche tra esse e il mondo. Hartmut Rosa, sociologo della scuola di Francoforte, mi ha aiutato in questo viaggio. Per lui la risonanza è imprescindibile dalla efficacia pedagogica di strategie pensate per solleticare gli animi, per trasmettere entusiasmo, passione, interesse, risposta. In una parola: dialogo.

Ma con chi/cosa? Continua a leggere →

Nel libro di Adrienne Fried Block, Amy Beach, Passionate Victorian, c’è un capitolo che si chiama “Amy Beach’s Boston”. Si parla di una Boston alla fine dell’ ‘800 e inizi del ‘900, dove la compositrice americana aveva vissuto quelli che definisce i suoi “anni felici”, una città estremamente musicale, che aveva favorito la sua crescita come donna e come musicista . Ora immaginate una città in estremo fermento economico e culturale: nuovi edifici venivano costruiti in mezzo al centro storico, tra cui la State House con la sua cupola coperta di foglie d’oro e un parco, il Fenway Park, che andava a risanare le zone paludose, con camminamenti propri dell’epoca vittoriana e sculture che ne celebrava i suoi eroi . Eppoi una sorta di patto tra classe borghese dirigente e artisti, basato sul credo che la Musica fosse l’arte suprema e che elevasse lo spirito dell’essere umano. Questo aveva ovviamente favorito la creazione di una comunità di musicisti e performer di prim’ordine.

La mia esperienza di Boston non è stata così diversa: la bellezza di questa città ancora è impressa nei miei occhi. La sua luce, il vento gelido d’ inverno, l’esplosione delle magnolie a Beacon Hill durante la primavera, le code fuori alla Boston Symphony per i rush tickets che mi consentivano di assistere a concerti di alto livello, e le sue contraddizioni, tante. Come quelle che ancora osservo studiando una compositrice donna come Amy Beach, ancora ora, dall’ Italia, e che ancora non hanno trovato risposte in me.

Sabrina

Il termine “musica popolare” si riferisce spesso ad un genere di musica considerato di valore e complessità inferiore rispetto alla musica d’arte e che sia facilmente accessibile a un gran numero di ascoltatori, non educati alla musica, piuttosto che a un’élite. Eppure quella che spesso oggi definiamo musica classica del romanticismo era musica popolare, con temi popolari e destinata ad una diffusione maggiore possibile. Era l’epoca della protesta contro le forme del classicismo accademico. I francesi e gli irlandesi cercavano di ritrovare il loro passato celtico, i tedeschi e gli inglesi cercavano la loro autonomia culturale nella civilizzazione medievale contro l’egemonia della cultura francese e modelli dell’arte greca e romana. Schubert e Brahms hanno spesso usato temi popolari ungheresi come materiale del loro lavoro col chiaro intento di renderli sublimi. Le rapsodie, le ballate, le mazurche, le danze dei grandi compositori romantici sono frutto di questo sentire. Continua a leggere →

A 8 anni non sapevo praticamente nulla della Francia, se non che i miei genitori volevano andarci in viaggio di nozze e poi per motivi economici avevano sempre rimandato. Avevo visto il film per il quale porto il nome (o almeno così mi piaceva pensare) con Audrey Hepburn: l’effetto che Parigi aveva avuto su di lei era stato per me una folgorazione.

Poi ho cominciato con un primo pezzo di Debussy, eppoi Faurè eppoi Ravel. E ancora Satie, Couperin, Rameau, Saint-Saens, Poulenc, Milhaud, Auric….. Nonostante io abbia nominato musicisti di epoche diverse e di stili differenti, tutti, ma proprio tutti hanno sempre avuto su di me lo stesso effetto: una sensazione di grande familiarità unita ad un desiderio di preservare questi gioielli come in uno scrigno. Cosa devo a loro come esecutrice? La ricerca incessante del dettaglio, la cura del suono e il desiderio di essere sempre elegante. E dunque Vive la France!

P.S. A proposito, poi a mia mamma a Parigi ce l’ho portata 😉

Sabrina

In attesa del nostro primo evento nel piccolo studio in via dei Sergii, vi proponiamo il video della produzione di Sagra della primavera eseguito a Parigi nel teatro degli Champs Elysees cento anni dopo la sua prima esecuzione. “La sagra della primavera” fu infatti rappresentata per la prima volta a Parigi il 29 maggio 1913 al Théâtre des Champs-Élysées dai Balletts Russes di Sergei Diaghilev, su musica di Igor Stravinsky, con scenografie di Nicholas Roerich e per la coreografia di Vaslav Nijinsky. Quel giorno scoppiò una rivolta tra il pubblico tra cui erano presenti musicisti come Saint-Saëns, Debussy e Ravel.

La versione che qui vi proponiamo riproduce i costumi e gli sfondi di quelli originali.

Elettrizzante, questa è la parola per questo lavoro: sia la partitura che la coreografia vanno ben oltre un rituale o il sacrificio di un essere umano. Ma di questo e di altro parleremo il 6 novembre alle ore 18.

https://www.youtube.com/watch?v=YOZmlYgYzG